Arsyet jo të dukshme pse i duam disa filma dhe e kemi të vështirë t'i tolerojmë të tjerët

2024 Autor: Malcolm Clapton | [email protected]. E modifikuara e fundit: 2023-12-17 04:10

Hollësitë e redaktimit, teknikat e kamerës dhe truket e tjera që ju lejojnë të ndjeni atmosferën.

Më shpesh, kur diskutohet për kinemanë, njerëzit flasin për komplotin dhe aktrimin. Sigurisht, këto janë komponentë të rëndësishëm të çdo filmi. Por ndodh që nuk mund t'i heqësh sytë nga një foto, megjithëse veprimi zhvillohet shumë ngadalë dhe një histori tjetër bëhet shpejt e mërzitshme, pavarësisht ngjarjeve të shumta. Disa autorë arrijnë ta bëjnë shikuesin të besojë në kthesat më fantastike, ndërsa të tjerë bëjnë edhe situata reale si lodra. Dhe është thjesht bukur të shikosh disa kaseta, ndërsa të tjerat janë të vështira.

Puna është se, përveç komplotit dhe aktorëve, ka shumë teknika interesante që regjisorët përdorin për të ndihmuar shikuesin të ndiejë veprimin dhe të shijojë atë që po ndodh në ekran. Këto hollësi mund të mos vihen re, por megjithatë ato ndikojnë shumë në perceptimin e figurës.

Spektri i ngjyrave

Gjëja e parë që duhet vënë re është se ngjyrat në filma shpesh nuk janë aspak të njëjta si në jetën reale. Mund të jetë mjaft e dukshme (për shembull, nëse fotografia është bardh e zi), ose nuk e kuptoni menjëherë. Por kjo nuk është rastësi.

Krijimi i një atmosfere

Me ndihmën e ngjyrave, ju mund të përcillni më mirë atmosferën e asaj që po ndodh, të krijoni një humor për shikuesin dhe madje të tregoni ndjenjat e vetë personazheve.

Merrni si shembull ekskluzivitetin popullor X-Men. Në serinë kryesore të filmave, fotografia e ndritshme dhe e pasur i ngjan komikeve. Dhe në ndryshim prej tyre në noir “Logan”, ku flasin për pleqërinë dhe lodhjen e heroit, zgjidhen tone më të zbehta.

Pamje nga filmi "X-Men: Apocalypse"

Pamje nga filmi "Logan"

Në filmin "Mad Max: Fury Road" pjesa më e madhe e veprimit zhvillohet në një zonë të nxehtë shkretëtirë. Është logjike që fotografia të jetë shkrepur në nuanca të verdhë-portokalli, të cilat të bëjnë të ndjesh diellin përvëlues dhe thatësinë.

Për qartësi, mund të merrni një kornizë dhe të ndryshoni skemën e ngjyrave. Menjëherë do të duket se është bërë më e ftohtë.

Pamje nga filmi "Mad Max: Fury Road"

E njëjta kornizë, por me ngjyra të ftohta

Për të krijuar një pamje të kundërta, filmat modernë të suksesshëm dhe në përgjithësi kinemaja masive bëhen më blu dhe portokalli.

Por i famshëm Wes Anderson pëlqen një gamë të butë rozë. I jep shikuesit ndjesinë e një filmi të vjetër romantik. Dhe gjithçka që ndodh perceptohet më qetë dhe më lehtë.

Kur duan të krijojnë një atmosferë të së ardhmes dhe fantazisë, ata gjithashtu shpesh i drejtohen gamës blu. Dhe ata i duan veçanërisht ngjyrat neoni, të cilat janë të lidhura fort në kokën e shikuesit me cyberpunk dhe teknologjinë.

Eshtë e panevojshme të thuhet se krijuesit e filmave horror preferojnë ngjyrat e errëta. Ka disa arsye për këtë. Sigurisht, kjo është pjesërisht një mënyrë për të pompuar atmosferën. Shumë njerëz tashmë kanë frikë nga errësira, dhe në filmat horror ka edhe monstra që fshihen në të.

Për më tepër, një fotografi e errët ju lejon të fshehni pak papërsosmëritë e grafikës ose përbërjes dhe të kurseni në prodhim. Vërtetë, ekziston një rrezik në këtë: nëse e errësoni shumë kornizën, atëherë shikuesi thjesht mund të mos shohë se çfarë po ndodh në ekran, veçanërisht në një kinema të keqe ose në një TV të vjetër. Për shembull, ky ishte rasti në filmin Slenderman të vitit 2018.

Edhe pse disa regjisorë origjinalë mund të luajnë në kontrast. Për shembull, Ari Astaire në "Solstice" tregoi atmosferën tipike të një filmi horror: heronjtë e gjejnë veten në një fshat të izoluar ku ndodhin gjëra të tmerrshme.

Por në të njëjtën kohë, fotografia është shumë e ndritshme, pothuajse nuk ka skena të errëta në të, dhe rrobat e heronjve janë të bardha borë. Dhe kjo e bën atë edhe më të frikshëm, sepse nuk ka ku të fshihet nga tmerri.

Ndarja e pjesëve të parcelës

Një film mund të ketë disa filtra me ngjyra të ndryshme. Ato përdoren për të ndarë më qartë linjat e tregimeve. Dhe me talentin e duhur, kjo qasje ndihmon për të ndriçuar pamjen.

Matrica është një shembull i shkëlqyer. Logoja e këtij shiriti është bërë me simbole të kodit të gjelbër, që tregojnë programin në të cilin jetojnë njerëzit. Kjo është arsyeja pse gjithçka që ndodh në botën virtuale është filmuar përmes një filtri të gjelbër. Dhe ngjarjet reale tregohen me blu.

Një skenë nga filmi "Matrix", aksion në botën virtuale

Një skenë nga filmi "Matrix", aksion në jetën reale

Dhe vetëm në fund të pjesës së tretë, kur njerëzit dhe makinat hynë në një marrëveshje paqeje, ngjyrat e pastra blu dhe jeshile shfaqen në kornizë në të njëjtën kohë.

Në Inception të Christopher Nolan, personazhet lëvizin nga bota reale për të fjetur, më pas për të fjetur brenda gjumit, e kështu me radhë. Për të ndarë më qartë "shtresat", regjisori zgjodhi skemën e tij të ngjyrave për secilën prej tyre.

Xhirim nga filmi “Inception”, ëndrra e parë

Xhirim nga filmi “Inception”, ëndërr e dytë

Xhirim nga filmi “Inception”, ëndrra e tretë

Në nivelin e parë të gjumit, gjithçka filmohet në një gamë blu, e dyta është e verdhë, e treta është e bardhë. Dhe vetëm në ëndrrën e fundit të gjitha nuancat bashkohen sërish, si në botën reale.

Në Blade Runner 2049 nga Denis Villeneuve, ngjyra të ndryshme pasqyronin vendndodhjen dhe gjendjen e brendshme të protagonistit.

Pamje nga filmi "Blade Runner 2049"

Pamje nga filmi "Blade Runner 2049"

Pamje nga filmi "Blade Runner 2049"

Pamje nga filmi "Blade Runner 2049"

Gjithçka fillon me personazhin e Ryan Gosling që endet në mjegull, më pas ai kalon nëpër një shkretëtirë të nxehtë portokalli, futurizëm neoni dhe një përmbytje nate. Dhe historia përfundon në një sfond të bardhë borë, duke reflektuar qetësinë dhe pastrimin.

Refuzimi i ngjyrës

Njëherë e një kohë, të gjithë filmat ishin bardh e zi. Thjesht sepse nuk dinin të gjuanin ndryshe dhe ishte e mundur të ngjyrosnin kornizat vetëm me dorë. Më pas erdhën filmat me ngjyra dhe kinematografia u bë shumë më realiste.

Por në të njëjtën kohë, fotografia bardh e zi nuk i përket plotësisht së shkuarës. Ato ende përdoren për qëllime artistike. Për shembull, për të përvijuar botë ose tregime të ndryshme.

Pra, në "Magjistari i Ozit" në 1939, ngjyra shfaqet kur Dolly hyn në botën e zanave.

Ende nga filmi "Magjistari i Ozit", botë e zakonshme

Ende nga filmi "Magjistari i Ozit", toka e zanave

Në "Stalker" të Andrei Tarkovsky, ngjyrat mungojnë edhe në jetën e zakonshme të heronjve. Dhe kur personazhet futen në "Zonën" mistike, bota bëhet e ndritshme - është këtu që njerëzit zbulojnë vërtet veten e tyre.

Ose i njëjti Christopher Nolan në kasetën "Mos harroni" tregoi një pjesë të veprimit në rendin e drejtpërdrejtë, dhe të dytën - në të kundërtën. Prandaj gjysma e filmit është xhiruar me ngjyra dhe tjetra bardh e zi.

Ende nga filmi "Remember", porosi direkte

Ende nga filmi "Mos harroni", rendi i kundërt

Përveç kësaj, një foto bardh e zi ju lejon të nënvizoni disa detaje më gjallërisht duke i shtuar thjesht ngjyrën e tyre. Për herë të parë, Sergei Eisenstein e bëri këtë kur pikturoi me dorë flamurin në Battleship Potemkin të vitit 1925.

Më pas, kjo teknikë u përdor në zhanre krejtësisht të ndryshme. Në Listën e Shindlerit të Steven Spielberg, shfaqja e një vajze me një pallto të kuqe bëhet një nga momentet më emocionuese.

Dhe madje edhe në filmin komik Sin City, kjo qasje përdoret vazhdimisht, me theks në buzëkuqin e kuq, sytë e shndritshëm ose gjakun.

Ndërtimi i kornizës

Rregulli i të tretave

Një nga parimet themelore të filmit dhe fotografisë. Ky është diçka si një rregull i thjeshtuar i "raportit të artë".

Është e thjeshtë: gjatë xhirimit, ekrani ndahet në tre pjesë vertikalisht dhe horizontalisht. Elementët më të rëndësishëm për parcelën duhet të vendosen në këto linja, si dhe në kryqëzimin e tyre. Kjo do ta bëjë më të lehtë për shikuesin të përqendrohet në pikat e dëshiruara.

Vendoseni në një shesh

Nëse e ndani kornizën me kusht në gjysmë ose në katër pjesë të barabarta, atëherë mund ta bëni shikuesin të kuptojë pa fjalë se çfarë vendi zë personazhi në histori.

Kjo teknikë shihet më qartë në filmin "Drive" të Nicholas Winding Refn. Për shembull, nëse fytyra e personazhit kryesor shfaqet në këndin e sipërm të majtë, dhe në kuadrin tjetër shfaqet një personazh tjetër në të njëjtin vend, atëherë kjo është një aluzion që personazhet do të jenë rivalë.

Për më tepër, i njëjti Refn mund të tregojë dy histori paralelisht: në pjesën e sipërme dhe të poshtme të ekranit ose në gjysmën e majtë dhe të djathtë. Shikuesi mund të mos e vërejë këtë lëvizje, por megjithatë perceptimi i personazheve do të jetë më i plotë. Plus është thjesht e bukur.

Simetria

Një tjetër teknikë psikologjike dhe estetike në të njëjtën kohë. Shpesh, gjuajtjet ku pjesa e majtë pasqyron gjysmën e djathtë bëhen vetëm për bukuri.

Por ndonjëherë ato përcjellin kundërshtimin e personazheve. Dhe nëse heroi shikon në pasqyrë, kjo do të tregojë anën e tij të errët ose ndryshimin midis ëndrrave dhe realitetit. Me pak fjalë, çdo alegori që mund të mendohet për reflektime.

Akoma nga filmi "2001: Odisea e Hapësirës"

Pamje nga filmi "The Shining"

Një foto nga filmi "Joker".

Këndi holandez

Për të treguar paqëndrueshmërinë e protagonistit, dyshimet e tij për diçka apo problemet e kujtesës, përdorin një teknikë shumë vizuale. "Këndi holandez" do të thotë që kamera nuk po shkrep drejt, por e anuar. Shumë shembuj të kësaj qasjeje mund të gjenden në filmat e Danny Boyle.

Është e pazakontë që shikuesi ta shikojë foton nga një kënd, kështu që ai e percepton më mirë gjendjen e pakëndshme të personazhit.

Sidoqoftë, është e rëndësishme të vëzhgoni masën këtu. Për shembull, filmi katastrofik "Battlefield: Earth" u filmua tërësisht në një kënd. Por në një orë e gjysmë, shikuesi ka shumë të ngjarë të ketë vetëm një dhimbje në qafë.

Të shtënat nga poshtë dhe nga lart

Një tjetër nga teknikat e thjeshta por efektive që ju lejon të përcillni vetë-ndjenjën e heronjve. Kështu mund të tregosh, për shembull, kush është mjeshtri i situatës. Dhe pastaj më kujtohen menjëherë kasetat e Quentin Tarantino, ku personazhet shikojnë poshtë në bagazh.

Xhirim nga filmi "Nga muzgu deri në agim"

Pamje nga filmi "Qentë e rezervuarit"

Dhe gjuajtja nga lart të bën të ndjesh se heroi ndihet i pasigurt. Ja sa qesharake e kanë luajtur në skenën e famshme të filmit "Për çfarë flasin burrat", ku personazhi i Kamil Larin, si një fëmijë, i justifikon portierit në një restorant të shtrenjtë:

Dialog dhe lëvizje

Veprimi në sfond

Një teknikë që përdoret më shpesh në komedi apo horror. Në plan të parë, asgjë interesante nuk ndodh. Dhe të gjitha më të rëndësishmet shpalosen në sfond, i cili mund të errësohet ose turbullohet.

Për shembull, protagonisti i filmit "Zombie Called Sean" shkon në dyqan. Gjithçka është shumë e zakonshme për të. Dhe në sfond ka një apokalips të vërtetë:

Në varësi të zhanrit dhe prezantimit, kjo mund të krijojë ose një efekt shumë qesharak ose tension - kështu që shpesh bërtitësit kryesorë fshihen në filmat horror.

Biseda në lëvizje

Lloji më i zakonshëm i dialogut në filma është që personazhet ulen dhe bisedojnë. Në këtë rast, kamera tradicionalisht kalon ndërmjet fytyrave.

Por nëse skena zgjat shumë, atëherë shikuesi do të lodhet nga përsëritja e vazhdueshme e të njëjtave kënde. Prandaj, regjisorët e mirë ose plotësojnë, ose ndryshojnë vendosjen e skenave të tilla.

Pra, në filmat e Quentin Tarantinos personazhet flasin pothuajse vazhdimisht. Por mjeshtri nuk të lë të mërzitesh, sepse dialogët mund të zhvillohen gjatë vozitjes. Për shkak të ndryshimit të vazhdueshëm të sfondit, veprimi nuk duket të jetë monoton.

Dhe edhe nëse personazhet janë në të njëjtën dhomë, kamera nuk kalon ashtu. Ajo mund të lëvizë rreth tyre, duke krijuar efektin e pranisë dhe madje pjesëmarrjes në bisedë. Pothuajse të gjithë personazhet mund të shihen pa redaktime të panevojshme.

Nicholas Winding Refn arrin të përdorë lojën e përmendur tashmë me ngjyra dhe reflektim në një bisedë të thjeshtë. Në Drive, dialogu i parë i protagonistëve duket se duket shumë i thjeshtë.

Por në të njëjtën kohë, personazhi i Ryan Gosling është gjithmonë në një sfond blu (kjo skemë ngjyrash e shoqëron atë gjatë gjithë filmit). Dhe heroina Carey Mulligan qëndron në muret portokalli. Dhe kjo tregon se diçka i ndan, edhe pse janë të afërt.

Rregulli 180 gradë

Ekziston një pikë më e rëndësishme gjatë xhirimeve. Nëse e lëvizni kamerën më shumë se 180 gradë kur ndryshoni këndet, shikuesi do të hutohet. Për shembull, kur heroi vrapon, do të duket se ai është kthyer dhe po lëviz në drejtim të kundërt.

Dhe kjo është po aq e rëndësishme edhe gjatë dialogëve. Për të mos krijuar përshtypjen se të gjithë në kuadër kanë lëvizur befas, operatori dhe regjisori zgjedhin një linjë të caktuar përtej së cilës kamera nuk duhet të shkojë.

Është kureshtare që një shkelje e qëllimshme e këtij rregulli mund të përdoret vetëm për të ngatërruar shikuesin, për të treguar konfuzionin e heroit. Dhe me imagjinatën e duhur, autorët krijojnë skena më të pazakonta. Për shembull, biseda e Gollum me veten e tij. Personazhi tregohet thjesht nga anë të ndryshme, por kjo krijon efektin që janë dy folës dhe ata janë në dialog.

Karakteristikat e instalimit

Redaktimi ju lejon ta bëni veprimin e filmit më dinamik, duke “kapërcyer” momentet e mërzitshme të jetës dhe duke ju lejuar të shikoni se çfarë po ndodh nga këndvështrime të ndryshme. Forma e tij më e thjeshtë është rrëfimi. Domethënë, ngjarjet në kuadër ndodhin njëra pas tjetrës. Kjo u shpjegua më qartë në "Njeriu nga Bulevardi des Capucines".

Por ju mund t'i tregoni ngjarjet e filmit në një mënyrë tjetër, dhe për këtë ata përdorin teknika të ndryshme.

Instalim paralel

Ndryshe nga tregimi sekuencial, ndonjëherë autorët duan që audienca të shohë se çfarë po ndodh në të njëjtën kohë në vende të ndryshme. Dhe më pas regjisorët i drejtohen montazhit paralel.

Kjo e bën komplotin më plot ngjarje. Por ju duhet të jeni të kujdesshëm. Në fund të fundit, nëse tregoni me radhë skenat që ndodhin në të njëjtën kohë, mund të keni përshtypjen se secila prej tyre zgjat më shumë.

Një shembull i mrekullueshëm i redaktimit paralel të pasuksesshëm është "Furious-6". Heronjtë po përpiqen të arratisen në një aeroplan që po lëviz përgjatë pistës, makinat po i ndjekin dhe një luftë zhvillohet brenda linjës së linjës.

Autorët demonstrojnë kaq shumë ngjarje në të njëjtën kohë sa në ekran avioni duket se përshpejtohet për të paktën 15 minuta. Eshtë e panevojshme të thuhet, kjo e vret gjithë realizmin e situatës?

Christopher Nolan, nga ana tjetër, konsiderohet gjerësisht si një mjeshtër i redaktimit paralel. Regjisori e përdor atë në shumë prej veprave të tij, por "Fillimi" është shembulli më i mirë. Ngjarjet në nivele të ndryshme të gjumit ndodhin njëkohësisht, dhe me ritme të ndryshme (në gjumë më të thellë, koha lëviz më ngadalë).

Këtu veprimit i shtohet edhe ndarja e përmendur tashmë e ngjyrave dhe shikuesi nuk ngatërrohet në atë që po ndodh, por kupton gjithë globalitetin e ngjarjeve.

Meqë ra fjala, është interesante që në filmin "Dunkirk" Nolan është edhe më i zgjuar me këtë teknikë. Ai tregon paralelisht ngjarjet që ndodhin në tokë, në ujë dhe në ajër. Në fakt, kronologjia është krejtësisht e ndryshme, dhe gjithçka konvergon vetëm në finale.

Flashbacks dhe Flash Forwards

Ndonjëherë autorët ngulitin kujtimet e tyre nga e kaluara - rikthimet - në historinë lineare të heronjve. Këto mund të jenë ndezje shumë të shkurtra prej disa sekondash ose histori të tëra.

Një adhurues i madh i momenteve të tilla është Jean-Marc Vallee. Kështu, ai shton tensionin në skenat në dukje të qeta. Ose e bën të qartë se personazhi po mashtron dikë: ai thotë një gjë, por diçka krejtësisht tjetër i shfaqet në kujtimet e tij.

Nuk është e vështirë të merret me mend se flashforwards janë të njëjtat histori, por nga e ardhmja. Ato përdoren më rrallë, zakonisht në fantashkencë ose histori mistike. Mbi një teknikë të tillë, ata madje ndërtuan një seri të tërë, ku, gjatë një eklipsi të caktuar, çdo person pa një moment nga e ardhmja e tij.

Dhe më tej përgjatë komplotit, të gjithë po përpiqen të zbulojnë arsyet e asaj që ndodhi dhe të kuptojnë kuptimin e vizioneve të tyre. Seriali u emërua kështu: Flashforward (në përkthim rusisht - "Mos harroni se çfarë do të ndodhë"). Vërtetë, ai zgjati vetëm një sezon.

Kërcim-prerje

Kjo teknikë zbatohet tashmë për redaktimin linear. Do të thotë një tranzicion i mprehtë midis kornizave. Ata e përdorin atë për qëllime krejtësisht të ndryshme.

Në Little Shop of Horrors të Frank Oz, një montazh i tillë ndihmon për të treguar kalimin e gjatë dhe të mërzitshëm të kohës.

Por Lars von Trier, i cili gjithashtu përdor shpesh kërcimin në veprat e tij, në këtë mënyrë përcjell stresin emocional dhe paqëndrueshmërinë psikologjike të personazheve. Të shtënat kështu e bëjnë foton më “nervoz”. Në kasetën "Idiots", kjo është shumë e përshtatshme:

Redaktimi në formë dhe zë

Në mënyrë që ngjarjet e ndryshme të shfaqura në film të perceptohen si vazhdimësi e njëra-tjetrës, autorët shpesh përdorin rastësi vizuale. Kjo do të thotë, skicat e disa objekteve në një kornizë përsëriten në tjetrën. Dhe ndonjëherë mund të duket shumë e zgjuar.

Po kështu, ju mund të "fiksoni" shikuesin me zë. Ulërima vazhdon me bilbilin e vaporit dhe gjëmimi industrial zëvendësohet nga muzika e të njëjtit temp. Ose fërshëllima e një tubi të dëmtuar kthehet në një kërcitje mishi të pjekur.

Përveç kësaj, tingulli mund të jetë pak përpara ose të mbetet prapa asaj që shfaqet në ekran. Kjo është bërë për t'i bërë skenat më të lidhura. Kjo do të thotë, shikuesi ende dëgjon të folur dhe shushurimë nga korniza e mëparshme, por veprimi tashmë ka ndryshuar. Ose anasjelltas.

Mungesa e instalimit

Ky është një veprim i guximshëm: regjisorët xhirojnë skena të gjata pa montuar fare, ose e fshehin atë në mënyra të ndryshme.

Kjo e bën atë që po ndodh në ekran më realiste, i jep shikuesit një ndjenjë të ritmit të vetë historisë. Por, sigurisht, kjo qasje kërkon shumë më tepër provë dhe investim. Në fund të fundit, gjatë përpunimit, ju mund të shkurtoni gjëra të vogla të pasuksesshme.

Pra, Joe Wright në filmin "Atonement" tregoi një skenë pesë minutëshe me evakuimin e trupave nga Dunkirk gjatë Luftës së Dytë Botërore. 1300 persona u përfshinë në skenën e turmës, me pajisje që lëviznin në kornizë dhe në sfond ndodhin shpërthime. Është kjo qasje që përcjell gjithë zymtësinë dhe kaosin e asaj që po ndodh.

Teknologjitë moderne bëjnë të mundur trajtimin më të saktë të instalimit. Dhe kjo e ndihmoi Alejandro Gonzalez Iñarrit të qëllonte Birdman. Në të, as nuk vërehet menjëherë se i gjithë veprimi shfaqet në një kornizë të vazhdueshme.

Në fakt, montazhi është aty, por i fshehur. Lidhjet bëhen kur kamera kalon nëpër ndonjë element të errët.

Dhe "Arka Ruse" e Aleksandër Sokurov duket edhe më e fortë. Aksioni zhvillohet në Hermitage, dhe regjisorit iu dha një ditë për xhirime. Prandaj, ai vendosi të shkrepte foton pa ngjitur.

U deshën shtatë muaj prova me 800 shtesa. Si rezultat, nga marrja e tretë, ata xhiruan një film të tërë me kohëzgjatje prej 1 orë e 27 minuta.

Në fakt, ka shumë më tepër hollësi të tilla. Por shumë prej tyre tashmë kërkojnë njohuri të thella të regjisë dhe kinematografisë. Këta janë vetëm shembuj të thjeshtë që mund të shihen në shumë filma. Dhe kur shikoni foton e radhës, sigurisht që do të mahniteni nga "këndi holandez" ose një kornizë e gjatë pa redaktim. Por kjo nuk do të shkatërrojë magjinë e kinemasë, por, përkundrazi, do ta bëjë shikimin edhe më interesant.